La capital castellana se desquita así de alguna manera por aquel concierto de los Rolling Stones anunciado hace 20 años que no llegó a celebrarse, debido a una laringitis aguda de Mick Jagger que les hizo suspender su actuación a última hora..

El cartel de conciertos gratuitos de la Plaza Mayor reúne artistas de estilos muy diversos, como Rusowsky (7 de septiembre), Carlos Baute (8 de septiembre), Burning y Obús (9 de septiembre), Ronnie Wood e Imelda May (10 de septiembre), Carolina Durante (11 de septiembre), Ana Guerra y Leire Martínez (12 de septiembre) y el espectáculo ‘Pura Verdad Flamenco’ (13 de septiembre), además de la participación de artistas locales dentro de la programación festiva.

Ni siquiera aquí estuvimos libres de alusiones futboleras, ya que los músicos salieron a escena con banderas rojigualdas, celebrando también la reciente victoria española en su tierra. Con bastante luz todavía y un volumen bastante bajo, que apenas dejaba oír la voz, empezó un concierto que fue de menos a más. La secuencia de canciones que interpretan en este The Big One Tour se mantiene casi invariable en cada fecha europea, con lo que pocas sorpresas podíamos esperar, ni tampoco novedades. Solo los viejos clásicos de siempre, entre los que cada cual echaría de menos sus favoritos ausentes, como suele pasar en estos casos, con artistas de larga trayectoria pero con repertorios lógicamente limitados.

Resultaba curiosa la puesta en escena, con un fondo de escenario que a un improbable despistado que entrase al recinto sin saber muy bien qué iba a ver le podría hacer pensar en un rollo hiphopero, con esos coloridos graffitis, y montones de amplis y patinetes delante, suspendidos desde lo alto. Aunque al final el centro de atención son ellos, porque ese decorado acompaña sin distraer. Elwood Francis ya está más que integrado en la banda, vacilando al empezar con el bajo de quince mil cuerdas y marcándose alguna coreografía con Billy. Ha asumido su papel de sucesor sin ser imitador, aportando su propia personalidad y una gran solidez al sonido del conjunto.

Por su parte, Michael Monahan demostró su poderío a la batería, con esa melena encintada que le daba un salvaje aspecto setentero muy apropiado para recordar los orígenes de la banda. Y al frente, Billy se permitía chapurrear en su poco, poco español a medida que iba cayendo la noche y todos íbamos entrando en su juego. Algunos alardes de virtuosismo, y mucho espacio para que el público participase, coreando y cantando estribillos que son ya eternos. Un respiro antes de salir a soltar un poco más de pirotecnia guitarrera, para acabar despidiéndose con la inevitable «La Grange«, completando un repaso bastante equilibrado a más de medio siglo de carrera.

Setlist del concierto

Resulta difícil imaginar que los responsables de una de las propuestas más personales y celebradas del panorama actual fueran, a mediados de los 2000, dos de las jóvenes promesas del minimal techno. Lucio Aquilina despuntaba con lanzamientos en sellos de referencia como Cocoon, mientras Massimo Di Lena – más conocido como Massi DL – hacía lo propio en Soma. Y por supuesto, ambos lo hacían en el sello de culto de la época: Trapez. Sus producciones encontraron pronto el respaldo de nombres como Sven Väth, Richie Hawtin o Marco Carola, lo que hacía pensar que estaban destinados a ocupar un lugar destacado en la élite de la electrónica de club europea. El desaparecido Reina Bruja en la calle Jacometrezo de Madrid fue testigo en alguna que otra ocasión de ello allá por el año 2008.

Pero eligieron otro camino.

Cuando el minimal alcanzó su mayor éxito comercial a finales de la primera década del milenio (o quizá principios de la segunda), Aquilina y Di Lena sintieron que aquel lenguaje empezaba a agotarse. En lugar de seguir la corriente, decidieron volver la vista hacia su ciudad natal. Comenzaron a rastrear mercadillos, tiendas de discos y colecciones privadas en busca del sonido de la Nápoles de los años setenta y ochenta: funk, jazz, disco italiana, afrobeat y soul. Aquella búsqueda terminó cambiando por completo su manera de entender la música.

Así nació Nu Guinea, un proyecto que pretendía unir la precisión de la electrónica con la espontaneidad de una banda tocando en directo. El primer EP en Early Sounds ya apuntaba hacia esa dirección, pero fue The Tony Allen Experiments el trabajo que marcó un antes y un después. Colaborar con el legendario batería nigeriano fallecido en 2020 les enseñó que el ritmo podía respirar, acelerarse, frenarse y dialogar con el resto de los instrumentos de una forma imposible de programar.

La evolución continuó con Nuova Napoli, un disco convertido casi de inmediato en una obra de culto. Grabado mayoritariamente mientras ambos vivían en Berlín, era una declaración de amor a la ciudad que habían dejado atrás. Después llegarían las recopilaciones Napoli Segreta, dedicadas a rescatar joyas olvidadas del patrimonio musical napolitano, el cambio de nombre a Nu Genea, simbolizando un «nuevo nacimiento», y Bar Mediterraneo, que abrió definitivamente su universo a todo el planeta. El álbum generó, ya desde la preventa, una especie de psicosis entre los coleccionistas del vinilo dispuestos a pagar grandes sumas de dinero por hacerse con una copia. Este año, People of the Moon ha ampliado todavía más ese horizonte con un sonido quizá más reposado y una producción aún más refinada, donde para sorpresa de muchos, la española María José Llergo, juega un papel fundamental con dos colaboraciones excelentes: Acelera y Celavi.

Todo ese viaje cobró sentido sobre el escenario de Las Noches del Botánico la pasada noche del 12 de julio, tras ser teloneados por Gilsons.

Desde los primeros compases quedó claro que Nu Genea ya no es simplemente un dúo de productores acompañado por músicos. Es una banda en toda la extensión de la palabra con hasta tres vocalistas en el escenario en algunos compases de la noche. La sección rítmica sostuvo un groove constante durante los 90 minutos, mientras bajos, teclados, saxo y percusiones construían un sonido cálido y profundamente orgánico. Aquilina y Di Lena apenas buscaron protagonismo. Dirigían el conjunto desde un segundo plano en sendos laterales del escenario, dejando que la música respirara por sí misma

El repertorio recorrió buena parte de su discografía, alternando composiciones de Nuova Napoli y Bar Mediterraneo con People of the Moon en su totalidad (si la memoria no nos falla) y acompañados de Llergo en momentos clave de la noche. Pero lo verdaderamente interesante no fue qué canciones sonaron, sino cómo sonaron. Ninguna permaneció idéntica a su versión de estudio. Los desarrollos instrumentales se alargaban, las percusiones encontraban nuevos caminos y el saxo aparecía para romper la estructura cuando parecía que todo estaba ya escrito. Más que interpretar un repertorio, la banda parecía conversar sobre él.

También sorprendió la naturalidad con la que conviven todas sus influencias. En apenas unos minutos podían aparecer ecos del afrobeat, armonías propias del jazz mediterráneo, bajos heredados de la disco italiana, melodías inequívocamente napolitanas y percusión, mucha percusión. Todo ello sin que el conjunto perdiera cohesión. La capacidad que tienen para integrar referencias tan diversas sin caer en el pastiche es, probablemente, el mayor logro artístico de Nu Genea.

En tiempos de grandes producciones audiovisuales, su propuesta resulta casi contracultural. Sin pantallas monumentales ni efectos innecesarios, todo descansa sobre los músicos y sobre un repertorio que ha ganado profundidad con los años. Lo que comenzó hace dos décadas como la carrera de dos jóvenes productores de techno ha terminado convirtiéndose en una de las bandas más elegantes, libres y personales del panorama europeo.

Su segunda aparición en el idílico enclave del Botánico (la primera fue en 2023) es prueba definitiva de que Aquilina y Di Lena no abandonaron la electrónica para cambiar de estilo. En realidad, siguieron inmersos en ella para encontrar una voz propia. Y pocas veces esa voz ha sonado tan convincente.

Durante años hemos asociado a Aurora con bosques, espíritus, naturaleza, vestidos blancos y canciones que parecían escritas para dialogar con las montañas. En TOMORA sigue habiendo todo eso, pero alguien ha conectado los árboles a una central eléctrica. El resultado no es un proyecto paralelo ni un simple capricho electrónico: es una mutación con aires de evolución natural.

Aurora baila como si una fuerza invisible moviera cada articulación de su cuerpo. Sigue cantando con esa mezcla imposible entre chamana nórdica y niña extraterrestre. Pero ahora lo hace encima de una maquinaria rítmica construida para bailar.

No hay nostalgia por The Chemical Brothers, más bien hay evolución. Porque Rowlands entiende perfectamente cuándo debe aparecer y cuándo no estar. No necesita convertirse en protagonista: construye un muro de sintetizadores, bajos y percusiones que permite que Aurora haga lo que mejor sabe hacer, convertir cualquier escenario en un pequeño ritual pagano junto a Amalie Holt Klieve, que en ocasiones parece su hermana gemela.

Después del arranque demoledor llegaron «MY BABY» y «Starvation», esta última ya conocida por quienes siguen la carrera en solitario de la noruega, pero aquí completamente reformulada. Más musculosa. Más oscura. Más cercana al techno emocional que al indie pop.

El concierto avanzaba sin pausas. Toda una declaración de intenciones. No había espacio para discursos interminables ni para romper el hechizo y la música es la que manda en cualquier discoteca.

Uno de los momentos más especiales llegó con «The Universe Sent Me», aquella colaboración nacida junto a The Chemical Brothers que ahora encuentra en TOMORA una segunda vida mucho más lógica

«HAVE YOU SEEN ME DANCE ALONE», presentada como estreno absoluto en directo, confirmó que TOMORA todavía tiene margen para crecer. Suena menos explosiva que otros cortes del repertorio, pero juega con una tensión casi hipnótica que terminó atrapando al Botánico entero. Después llegaron «THE THING», «SOMEWHERE ELSE» y una devastadora «Eve of Destruction», probablemente uno de los picos emocionales de la noche. Resulta curioso escuchar una canción nacida bajo el paraguas de The Chemical Brothers convertida ahora en algo mucho más orgánico.

«I DRINK THE LIGHT» y «COME CLOSER» nos recordaron que en las raves hay algo elegantemente macarra. «WHAT DO WE GOT” sonó mucho más melódica, menos agresiva… pero igual de sugerente. La recta final recuperó «My Body Is Not Mine», una vieja tonada de Aurora que adquiere aquí una dimensión distinta.

Y cuando parecía que el viaje había terminado, llegó el único bis: «IN A MINUTE». Nada de fuegos artificiales gratuitos. Nada de alargar el concierto por obligación. Una última descarga precisa, intensa y suficiente para dejar al público con esa agradable sensación de que siempre falta un tema más cuando la noche ha sido redonda. Faltaba el after, pero era miércoles.

Las Noches del Botánico llevan años demostrando que también hay espacio para la electrónica entre guitarras, jazz y cantautores, pero pocas veces ese espacio se había llenado con tanta personalidad. Esperemos que siga siendo así hasta que llegue el amanecer.

Parece mentira, pero son ya más de tres décadas de carrera las que tienen a sus espaldas. Y son muchas las canciones que han ido metiendo entre los clásicos de la música contemporánea, aunque venían presentando también los temas de su último disco, «Let All That We Imagine Be The Light«, publicado el año pasado.

Con el recinto lleno, arrancaron puntuales con «There’s no future in Optimism«, el tema que abre ese último álbum, del que llegaron a tocar la mitad de las canciones. Con la carismática Shirley Manson al frente, pertrechada tras un llamativo abanico al salir a escena, enseguida desataron el entusiasmo colectivo, que se disparó cuando empezaron a sonar himnos como «I think I’m paranoid«, «Stupid girl» o «Vow«.

Shirley sigue cumpliendo a la perfección su papel de antidiva, seductora y agresiva, divertida, cercana y sin pelos en la lengua. Estuvo muy comunicativa toda la velada, aprovechando en varios momentos para darse un respiro mientras soltaba pequeños discursos despertando conciencias y reivindicando causas diversas (incluida la de Madonna como estrella pop por excelencia).

Una delicada y relajada versión de «Lovesong«, de The Cure, marcaba más o menos la mitad del bolo. Una estupenda puesta en escena de ese pop poco convencional, vitaminado y sofisticado, con un toque de electrónica y oscuridad, que se empapa de las guitarras intensas y afiladas de Duke Erikson y Steve Marker, respaldados por Butch Vig a la batería, y en esta ocasión por Nicole Fiorentino (ex Veruca Salt y Smashing Pumpkins, entre otros) al bajo. Y es que es tal el magnetismo de Shirley que a veces se nos olvida quienes están detrás para que eso suene como suena.

Con «Chinese fire horse«, otra de las nuevas, la cosa se empezó a animar otra vez, subiendo de revoluciones con «Cherry lips (Go baby go go)«, y estallando con «When I grow up«, que desató ya totalmente la fiesta, con la gente botando desde la pista hasta la grada., coreando la canción sin querer que aquello se acabara nunca. Cuando Shirley dijo que éramos el público más cañero que habían tenido en estos treinta años igual no exageraba, porque aquello debía parecerle un estadio con diez veces más gente de la que realmente había.

Agradecida y emocionada, especialmente con detalles como que hubiese entre el público «so many young girls» (y es verdad que había muchas niñas, niños apenas vimos – igualmente, eran las mujeres quienes estuvieron toda la noche gritándole «¡guapa!»). A ellas, y a toda la concurrencia, nos recordó, antes de atacar «Push it«, que aunque a veces todo parezca una mierda, al final llega un momento en que todo puede superarse.

Final relajado con la hipnótica «The day that I met God«, que también cierra su último trabajo de estudio, y después de una hora y media de concierto y un breve descanso, volvieron para despedirse con «Special«. Ya como si estuviera en familia, se sentó al borde del escenario para firmar varios discos y libros, bromeando y riendo, tan a gusto que nuestra escocesa favorita (con permiso de Sharleen Spiteri) hasta se pidió un whisky para brindar con nosotros y rematar la fiesta con «I’m only Happy when it Rains«.

Si en ese momento una tormenta hubiera roto el cielo y nos hubiese empapado, hubiera sido el final perfecto. Pero igualmente, fue un broche impecable para un concierto fantástico, en el que Garbage demostraron que son unos grandes de verdad, a los que vamos a echar mucho de menos – si es verdad que con esta gira dicen adiós. Un placer y un lujo haberles disfrutado, y además así, en un recinto como éste, sin sin el agobio ni la masificación de verlos en un festival entre mucha más gente y docenas de otras bandas. Una noche para enmarcar.

Muy alto había puesto el listón las dos jornadas anteriores el León de Belfast con dos épicos shows para el recuerdo; así que estaba bien transformar el escenario un poco. En esta ocasión, viajaría a algún lugar de la mente en la década, por ejemplo, de 1940. A la atmósfera de la película “Marty Supreme” (Joshua Safdie, 2025). O quizá algo más atrás. El concierto, esta vez, lo veríamos sentados. La platea, bastante llena y en un silencio absoluto y sobrecogedor, dejaba poco espacio a la improvisación, algo que sí ocurriría sobre las tablas. En las gradas se vivió algo distinto: gente sentada, quizá dispersa, pero totalmente entregada a la causa.

Jeff Goldblum –lo recordarán por alguna de las casi 150 producciones audiovisuales en las que ha participado como actor, especialmente en “La mosca” (David Cronenberg, 1986), “Jurassic Park” (Steven Spielberg, 1993) o “Independence Day” (Roland Emmerich. 1996)- estaba al frente de un gran piano de cola negro. Además llegó pertrechado por músicos con guitarra, contrabajo, batería, dos vientos y un teclista responsable de un órgano Hammond. La cosa iba de clásicos.

Yo me visualizaba en aquella otra época, haciendo negocios, viajando por un mundo pasado y disfrutando de los conciertos en los bares, cafeterías o lobbys de un hotel de Nueva York o de La Habana, después de una larga jornada laboral -eso del trabajo no cambia: es anterior, presente y también ulterior-, tal vez perseguido por algún antiguo cliente, ex socio o rival desconocido. Los golpes del contrabajo y la pulsión de las teclas del propio Goldblum, acompañado por “The Mildred Snitzer Orchestra”, iban mostrando una ristra de estándares del jazz y la gran música estadounidense de todos los tiempos: desde “Grease Patrol” (del nonagenario saxofonistas de Luisiana Plas Johnson) a “Let’s Face the Music and Dance” (el clásico de Broadway de Irving). Hubo momentos para la rabiosa actualidad con el “Lover” de Taylor Swift, justo cuando la cantante superestrella estaba, como aquel que dice, “al pie del altar”. Congratulations, Taylor.

Después volvimos al music hall con la presentación de Khalia Johnson, y su evocadora voz nos trasladó al “If I Only Had a Brain” de Mago de Oz. Goldblum jugaba con nosotros, nos pedía que adivináramos qué canción iba a sonar, proporcionándonos alguna pista: “es un tema que se hizo famoso en una película musical de 1939”, “sonaba mucho por aquella época en Broadway” o “la cantó tal o cual intérprete”…el púbico adivinaba. Y el amigo Jeff demostraba sobre el escenario que es un hombre del entretenimiento y del espectáculo que vive entre bambalinas.

Tras la canción de Harold Arlen, llegaron “The Cat” y el homenaje a “Misión imposible” del compositor argentino Lalo Schifrin; después tendríamos que adivinar, con más indicios, la ciudad a la que el dúo de creadores Rodgers & Hart dedicaron una de sus célebres piezas: “Manhattan”.

Entre vapores y vahos saliendo de las alcantarillas de “El Padrino” en pleno julio y una mezcla entre ensoñaciones y ganas de más música llegamos a “The Kicker”, de Joe Henderson, a la que siguió “Bewitched, Bothered and Bewildered”, también de Rodgers & Hart. Estaba claro que Goldblum quería acercarse a los que estamos menos familiarizados con el jazz, loando también a los conocedores de la materia, entre ellos Fernando y David Trueba, con quienes tuvo un guiño y unas palabras de agradecimiento, y que también se encontraban en el recinto.

Volvimos a bajar a las melodías de a pie con la eurovisiva “Tattoo” de Loreen, que por momentos se confunde en mi mente con pasajes del “The winner takes it all” de Abba-. Vuelta a los clásicos con “Mean to Me” (Ben Bernie & His Orchestra) y de nuevo al mundo de Oz con el clásico popularizado por la Garland. Siempre está bien que suene “Over the Rainbow”, el inolvidable de Harold Arlen, en tiempos del orgullo.

Para no olvidar que el jazz viene de una mezcla de influencias, cerraron el repertorio “Misty” de Erroll Garner, “Every Time We Say Goodbye” de Cole Porter –escuchen y vean por favor la versión de Annie Lennox con imágenes de Derek Jarman- y después “Moanin”, de Sarah Vaughan.

Más que un concierto para el recuerdo fue un concierto para recordar. Mientras el actor de incursiones en el jazz preguntaba al respetable con cercanía y acento estadounidense algunas cuestiones como “¿qué tal?”, exclamaciones tipo “¡qué arte!” o el complicadísimo de pronunciar “gracias”; y cantaba algunas notas del “Bésame mucho”, yo me centraba, más que en el recuerdo, en recordar. Recordar que seguimos vivos, que cada canción es un ritual de celebración y que tras la despedida -Jeff Goldblum seguía sobre el escenario firmando vinilos y atendiendo a seguidores-, yo salía del Botánico un poco más viejo, un poco más muerto, pero más vivo que nunca. Y ya saben… “I can hear a lark somewhere”.

Antes incluso de que sonaran los primeros acordes había algo que me llamó la atención. Bastaba con echar un vistazo alrededor para comprobar que el público era mayoritariamente masculino, de una generación que creció descubriendo los discos “Discipline”, “Beat” o “Three of a Perfect Pair” en las fechas en que aparecieron: 1981, 1982 y 1984 respectivamente. No deja de resultar curioso que una música de apariencia tan abierta, arriesgada y poco dada a las etiquetas siga reuniendo, cuarenta años después, a un público que en ocasiones parece aferrarse a ciertos códigos del rock más tradicionales. Ni que haya ciertos modernos que denosten o ni si quiera presten atención a todo lo que venga del rock progresivo. Por suerte, sobre el escenario me pareció que sucedía exactamente lo contrario. Allí todo invitaba a derribar fronteras.

Si algo define la música del King Crimson de los ochenta es precisamente su negativa a acomodarse. Aquellos discos rompían moldes entonces y siguen haciéndolo ahora. No apelan a la nostalgia fácil. Exigen atención. Obligan a escuchar. Y quizá por eso este proyecto nunca ha parecido una reunión oportunista. Más bien una reivindicación de un repertorio que rara vez ha recibido el reconocimiento popular que merece. Más cerca a veces de unos Roxy Music o los Talking Heads, que de las primeras etapas de los King Crimson.

Conviene detenerse un momento en esto. El rock progresivo nunca buscó ser un género fácil. Nacido a finales de la década de 1960, sustituyó la inmediatez del estribillo por la ambición de explorar nuevos territorios: estructuras largas, cambios constantes de ritmo, influencias del jazz y la música clásica, improvisación y una voluntad casi obsesiva de desafiar los límites de la canción de rock para crear algo nuevo. Para algunos resulta exigente; para quienes se dejan llevar, ofrece una recompensa difícil de encontrar en otros estilos. King Crimson fueron los abanderados y, dentro de una carrera marcada por la reinvención permanente, la trilogía formada por Discipline, Beat y Three of a Perfect Pair lleva ese espíritu hacia un lenguaje donde la complejidad convivía con el funk, la new wave y una sorprendente capacidad para seguir sonando novedosa.

A los dos miembros originales de la formación se han juntado en Beat el guitarrista Steve Vai y el batería de Tool Danny Carey. Durante buena parte del primer tramo, Steve Vai sostuvo buena parte del peso emocional del concierto. No necesitó recurrir al virtuosismo exhibicionista que tantas veces se le atribuye, algo que sí ocurrió en la segunda parte. Todo lo contrario. Su mayor mérito fue entender que aquella noche no se trataba de demostrar quién es Steve Vai, sino de servir a unas composiciones construidas desde el equilibrio colectivo para la trilogía discográfica. Su guitarra aparecía donde debía aparecer, con una elegancia admirable, respetando el espíritu de Robert Fripp, que aunque no está presente en este supergrupo, sugirió el nombre de la formación.

Tony Levin juega ya en otra categoría. Verle sobre un escenario sigue produciendo la misma sensación que contemplar a alguien que no necesita demostrar nada. Cada nota parece colocada exactamente donde tiene que estar. Su llamativo Chapman Stick continúa sonando como un instrumento llegado de otro planeta, y verlo en diálogo con los ritmos de Danny Carey era uno de esos pequeños regalos que justifican por sí solos la entrada.

Resulta inevitable pensar en Tool cuando uno le ve tocar, pero basta un par de canciones para entender que aquí también juega a otra cosa. Su batería no busca imponerse; construye espacios, sostiene estructuras imposibles y convierte ritmos aparentemente inestables en algo completamente natural. Es uno de esos músicos capaces de hacer que lo extraordinario parezca sencillo. Y todo al servicio del repertorio de los Crimson.

Cuando la voz del cantante estuve en su sitio, el recital pasó directamente a otra esfera. No hubo un instante concreto en el que todo hiciera clic. Fue un proceso casi imperceptible. Una canción sonaba un poco mejor que la anterior. La siguiente, mejor aún. Hasta que, de repente, la preocupación por lo que estaba por llegar había desaparecido y solo quedaba la música.

Entonces dejé de analizar lo que estaba ocurriendo y me dediqué al puro disfrute. Las canciones empezaron a respirar con toda la libertad con la que fueron concebidas hace más de cuatro décadas. El sonido era claro, lleno de matices, como en los discos. El público respondió, consciente de que estaba asistiendo a una pequeña victoria. Los gestos hablan por sí solos. Hubo vulnerabilidad. Hubo riesgo. Hubo momentos incómodos. Pero también mucha emoción. La clase de emoción que solo aparece cuando existe la posibilidad real de que las cosas salgan mal.

Al terminar, los aplausos no celebraban únicamente el repertorio de una de las etapas más fascinantes de King Crimson. Celebraban la honestidad de cuatro músicos que, lejos de esconder sus limitaciones circunstanciales, las atravesaron delante de miles de personas hasta fundirse con la noche. Los conciertos de las Noches del Botánico tienen ese sello mágico: empiezan con la luz del día, a veces hasta con sol. Para terminar en la oscuridad de la noche.

Salí del Botánico pensando menos en la perfección técnica y más en la resistencia. En cómo una velada que parecía condenada a quedarse a medio camino acabó transformándose en una celebración de todo aquello que hace grande a la música en directo: la incertidumbre, la complicidad y la capacidad de emocionar precisamente porque nada está garantizado.

La noche arrancó cuando todavía el sol iluminaba el Botánico. Fue el escenario perfecto para la aparición de Don West, un auténtico sex symbol –recuerden que es también modelo- que desprende carisma desde el primer paso que da sobre el escenario. Pero si su porte y presencia llaman la atención, esperen a escuchar su voz: acabará por conquistarles. Tiene ese timbre cálido y seductor que no se limita a sonar bien: se clava directamente en el interior de quien la escucha.

Su propuesta transita por un soul elegante, sensual y lleno de groove, con claras influencias del R&B clásico y contemporáneo. Durante su concierto sonó, entre otras, «What Turns You On», una de esas canciones que resumen perfectamente lo que hace: delicadeza envolvente con un gran componente emocional que convierte cada interpretación en algo tan cercano como un susurro al oído. Su concierto tuvo ese punto casi íntimo pese a que acabó cuando aún había luz, pero logró una conexión con el público, que entraba poco a poco en una atmósfera de complicidad creciente tema tras tema.

Si Don West apostó por la seducción, Cory Wong llegó dispuesto a disparar la adrenalina. Compositor, productor, guitarrista y uno de los músicos más respetados y versátiles de la escena estadounidense, Wong tiene ya una carrera basada en la ausencia total de prejuicios estilísticos. Conocido por su trabajo con Vulfpeck y proyectos como The Fearless Flyers, además de innumerables colaboraciones, ha hecho del funk contemporáneo un territorio propio donde conviven el jazz, el rock, el pop y una técnica guitarrística sencillamente descomunal; virtuosismo melódico a altas dosis de bits por minuto.

Desde el arranque con «Out at Midnight» quedó claro que aquello iba a ser una auténtica fiesta instrumental. El repertorio fue un desfile de precisión milimétrica y energía contagiosa, enlazando temas como «The Grid Generation», «Flyers Direct», «Flamingo», «Assassin», «Bluebird», «Direct Flyte», «Briteapolis», «Cosmic Sans» o «Lilypad», aunque también con momentos íntimos con «Kenni and the Jets» –popularizada por Elton John-, «Separado» y «Meditation», para volver a la carga con un espectacular «Dean Town», celebrada versión del clásico de Vulfpeck.

Más allá de la exhibición técnica —que fue constante—, lo mejor de Cory Wong es que nunca convierte el virtuosismo en un ejercicio frío. Todo lo contrario. Cada canción respira diversión, interacción con la banda y una sensación permanente de estar asistiendo a una celebración colectiva donde los músicos disfrutan tanto como el público.

El contraste entre ambos conciertos terminó siendo precisamente uno de los grandes aciertos de la noche. Primero, el soul elegante, sensual y casi sexual de Don West; después, el funk explosivo, colorista y electrizante de Cory Wong. Dos maneras muy distintas de entender el groove que, juntas, construyeron un díptico tan coherente como memorable. El calor todavía aprieta, pero es mucho más llevadero con una sonrisa difícil de borrar. Porque hay conciertos que impresionan y otros que simplemente te hacen feliz. El de Don West y Cory Wong en Noches del Botánico perteneció claramente a esta segunda categoría. De esos de los que sales, sencillamente, happy happy, doblemente contento.

Redacción: Chema Pérez

Fotografía: Oficial de Las Noches del Botánico a cargo de Fer González

Segunda jornada con Van Morrison en las Noches del Botánico. Al parecer el año pasado terminó contento con la experiencia y ha querido repetir.

Ligeras variaciones en el repertorio respecto al día anterior, en parte motivado por los arrebatos “espontáneos” o llamémosle inspiración, que se producen a menudo, y que hacen que se cambie el programa de canciones preparadas según sople el viento, cosa que agradecerán los que hayan ido los dos días, que haberlos haylos.

Este motivo provocó el único “fallo”, si se le puede llamar así, al comenzar el batería una canción que no era, ya que Van decidió cambiarla por otra que fue Night Time Is the Right Time. Y esto queda como anécdota, como el día anterior, aparte de la comidilla habitual de si hoy va a saludar o no, a dar las buenas noches, si va a dar la espantada, etc, etc. Y es que el problema de llevar muchos años en el escenario haciéndolo bien, sonando de maravilla, con un estilo propio que ha influido en muchos grupos y con genio y figura a pesar de los treinta y muchos grados que teníamos al comenzar el concierto en horario infantil, hace que todo lo anterior se de por descontado y no se valore lo suficiente, a mi humilde entender.

Con puntualidad, vistiendo traje, camisa, sombrero con cinta azul, comenzó a desgranar temas de su nuevo disco, que de eso va la gira, mientras la mitad del recinto se abanicaba a ritmo de blues (aconsejo la grada 3 a la izquierda del escenario para futuros conciertos con el sol aún presente). Intercambiando el saxo con la armónica fueron cayendo hasta cinco temas seguidos para llegar a Down to joy, donde el blues dejó paso a un tema de su álbum anterior algo mas folk.

Con If it wasn´t for Ray, aparecieron el saxofonista Richard Buckley y el trompetista, que nos deleitaron el resto de velada con solos precisos, cortos pero resultones y con un sonido perfecto. David Keary a la guitarra estuvo perfecto también, cogiendo la acústica en el tema The Only Love I Ever Need Is Yours llegando al momento más íntimo del concierto. Un par de temas más adelante presentó a la banda, destacando en Night Time Is the Right Time la voz de la corista Sumudu Jayatilaka, que junto a Jolen O’Hara, aguantaron casi todo el concierto con el sol de cara, que no cara al sol, luciendo grandes gafas cual mosca Puck de la abeja Maya.

Poco a poco y sin casi darnos cuenta, se llegaba a la programada hora y media de concierto no sin antes caer las obligadas Moondance, que fue realmente una versión de si misma, y terminar con una extendida versión de Gloria, donde Van hace su habitual mutis por el foro y el grupo se queda cinco minutos más demostrando que son buenos de narices, por no decir otra cosa, ya que todo en el concierto fue muy elegante y sobrio.

Como siempre, todo perfecto a nivel técnico, musical e interpretativo, un más de lo mismo que ya querrían muchos, aunque fuera un diez por ciento de esto.

Set list: Deep Blue Sea (John Lee Hooker cover) / Kidney Stew Blues (Eddie “Cleanhead” Vinson cover) / Rock Me Baby (B.B. King cover) / Madame Butterfly Blues (Dave Lewis cover) / Snatch It Back and Hold It / (Junior Wells’ Chicago Blues Band cover) / Down to Joy / If It Wasn’t for Ray / Somebody Tried to Sell Me a Bridge / Social Climbing Scene / Back to Writing Love Songs / The Only Love I Ever Need Is Yours / Dweller on the Threshold / Ain’t Gonna Moan No More / Night Time Is the Right Time (Roosevelt Sykes cover) / Moondance / Early in the Mornin’ (Louis Jordan and His Tympany Five cover) / Goin’ Down Geneva – Brand New Cadillac / Real Real Gone – You Send Me / Gloria